Un espacio de opinión, reseñas, notas y recomendaciones de cine, teatro, televisión, literatura, música y más. Un blog que invita a fomentar la lectura y las experiencias culturales. Pasen y lean. Escriben Adrián Melo, Darío Cortés & Francisca Neira //
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Documental que narra la vida del famoso escritor Armistead Maupin, desde sus raíces conservadoras hasta convertirse en defensor de los derechos de la comunidad LGBTQ.
A las Historias de San Francisco y su interminable saga les hubiera sentado mejor perecer en las páginas del San Francisco Chronicle, periódico que las vio nacer como folletín. Con las ventajas y los problemas que esa rutina diaria y la presión del vertiginoso cierre de rotativas acarrea: grosso modo, lo más probable es que se capten instantáneas de la actualidad pero se pierda bastante en estética y preciosismo.
Quizás si se le hubiera asignado el destino efímero de las páginas de todo diario, un día algún académico obsesivo las hubiera rescatado del olvido para una tesis doctoral que, por ejemplo, hubiera analizado el impacto que tuvieron sobre el gran público y sobre las mentalidades colectivas en los años setenta y les hubiera otorgado una forma más o menos digna de entrada en la Historia. Pero al pasar al formato libro se le ven demasiado las costuras. En cuanto a calidad literaria Armistead Maupin no es Dickens y mucho menos Dumas e infinitamente menos Balzac. Si hablamos de entretenimiento y ritmo de seriales de televisión mejor lo hace Darren Star y nunca tuvo pretensiones de literato. Si hablamos en términos de literatura militante se queda a mitad de camino: su retrato del San Francisco de los setenta tiene demasiado de postal para los turistas, poco de subversión sexual e incluso se vislumbra en la caracterización de muchos de sus personajes un tufillo conservador (no olvidemos tampoco el linaje de Mr. Maupin). Así, entre otras delicias, desaprovecha el potencial del personaje transexual, Anna Madrigal, y la convierte en una matrona a la que parece no importarle el sexo (“solo ser amiga de las mujeres”) y que tiene un único y casto romance con un multimillonario desahuciado (solo Danielle Steel se hubiera atrevido a la escena patéticamente cursi de los ancianos enamorados remontando un barrilete en la playa que Madrigal les pidió prestado a unos niños a cambio de ¡oh! un porro). A su vez, las historias de amor lésbico no tienen demasiado espacio y casi ningún interés y el sexo salvaje y desenfrenado de la época aparece lavado con lo cual no capta a los radicales e irrita a las mentes bienpensantes. Eso sí, parece tener la fórmula virtuosa para que un gran público gay y lésbico de raza blanca y clase media literalmente lo adore.
Partiendo de esa base, no esperaba gran cosa de The Untold Tales of Armistead Maupin el documental sobre su vida y su obra que dirige Jennifer Kroot y que actualmente se puede ver por Netflix. No voy a hablar, para no ensañarme, del formato clásico y remanido del producto (testimonios superpuestos con fotos, más anécdotas, más dibujitos e imágenes obvias de San Francisco e imágenes de películas), ni del ególatra relato estadounidense del republicano devenido en héroe que termina haciendo una épica de sí mismo, ni siquiera del regodeo en las imágenes de la comunidad gay diezmadas por el Sida en los años ochenta que vimos incontables veces y tampoco en el hecho de que Maupin en su ficción mata por el Sida y contagia por hiv solamente a los personajes gays (hay héteros promiscuos pero parecen inmunes al virus).
Pero si, no puedo dejar de pasar por alto que Armistead Maupin se vanaglorie en el documental del reprobable hecho de haber sacado del clóset a un Rock Hudson ya enfermo. En su argumentación sacrifica a Hudson como forma de denuncia del sistema de estrellas de Hollywood y en defensa de la comunidad para que se tome conciencia y para no seguir siendo estigmatizados. Pero no pone su cuerpo sino el de Hudson.
Paradójicamente su propia salida del clóset había sido una tímida carta abierta en el marco de las Historias… firmada por un personaje. Doble paradoja: Maupin señala que el dolor más grande de su vida es cuando su pareja Terry lo abandona en el marco de lo que se dio en llamar en Estados Unidos el divorcio del cóctel. Es decir, el fenómeno que se dio cuando aparecen los medicamentos para el HIV y muchas personas que creían que iban a morir encuentran la posibilidad de supervivencia y se separan. Aparece allí un gesto de dolor y también de reproche de Maupin al recuerdo de Terry. En cambio, no hay el mínimo análisis de conciencia y nunca aparecen reprochables muchas de sus por lo menos discutibles acciones.
Hasta el 3 de
febrero, La Virreina Centre de la Imatge, en Barcelona, presenta la exposición
(con entrada gratuita): “Réquiem por la norma”. Es la primera muestra monográfica internacional dedicada a la artista chileno-alemana Lorenza BÖttner, que buscó en el arte una forma de construirse un cuerpo
político y vital y de reivindicar su derecho a existir libremente frente a la
opresión y a la institucionalización a la que se somete a los cuerpos
transgénero y con diversidad funcional. La exposición comienza en la ciudad de
Barcelona y llegará a más ciudades.
Una imperdible exposición se presenta en la Rambla de Barcelona,
la muestra es imperdible por donde se la mire, pero tiene tres espacios claves
en el recorrido propuesto: por un lado el génesis de la artistas cuando era un niño
atormentado por sus diagnósticos médicos que lo “incapacitan” a realizar
actividades. En segundo lugar la etapa de exploración en el centro Böttner de Alemania y por último el
sector que comienza por las fotos que realizó para Tom Mapplethorpe en New York
y que continúa con la máxima explosión artística de la realizadora incluido un
mural autorretrato realizado con sus pies. La muestra está llena de vida y de
protesta ya desde la entrada a través de los textos que acompañan cada salón
con frases como : “¿En qué marco de representación puede un cuerpo hacerse
visible como humano? ¿Quién tiene el derecho a representar? ¿Quién es representado?
¿Puede una imagen conceder o denegar agencia política a un cuerpo? ¿Cómo puede
un cuerpo construir una imagen para convertirse en sujeto político? ¿Hay alguna
diferencia estética entre una imagen hecha con la mano y una hecha con el pie,
o bien esa diferencia traduce una posición de poder?" Muchas de estas preguntas
son o bien respondidas en el impacto emocional que produce ver sus trabajos o
bien crean nuevas preguntas acerca de la mayor de todas: “¿Qué es lo normal?”.
Para disfrutar profundamente esta exposición es necesario conocer algo de la
historia de vida de Lorenza.
La trayectoria de Lorenza Böttner (Punta Arenas, Chile, 1959
– Múnich, Alemania, 1994) representa una de las críticas más agudas a los
procesos de discapacitación, desexualización, internación e invisibilización a
los que son sometidos los cuerpos con diversidad funcional y los cuerpos
transgénero. Mediante la fotografía, la pintura y la performance (también definida
por la artista como “danza pintura”), la obra de esta artista que pintaba con
los pies y la boca constituye un himno a la disidencia corporal y de género.
Nacida como Ernst Lorenz Böttner en el seno de una familia
alemana en 1959 en Chile, sufrió un accidente a los ocho años donde perdió
ambos brazos. Rechazó usar prótesis, pero desarrolló un gran interés por el
ballet clásico, el jazz y el tap. Educado en Alemania, Lorenz fue
institucionalizado junto a los llamados ‘niños del Contergan’ -nacidos con
deformaciones en sus miembros a causa de los efectos secundarios de este
somnífero en el feto- y tratado como ‘discapacitado’. Frente al diagnóstico
médico y a las expectativas sociales, Lorenz decidió estudiar en la Escuela
Superior de Arte de Kassel, y comenzó a pintar y a hacer performances públicas
encarnando una identidad femenina bajo el nombre de Lorenza Böttner. En los
años ochenta participó activamente en la Disabled Artists Network con Sandra
Aronson y defendió la existencia de una genealogía de artistas sin manos que trabajaban
con la boca y los pies.
Lorenza Böttner transformó la práctica de la pintura en el arte
de la performance, haciendo de las calles un escenario para la politización de la
diferencia corporal. Sin embargo, su trabajo subvierte esta tradición de
pintura pública hecha con los pies y la boca, tanto a través de los temas
representados (autorretratos, como el de una trans sin brazos amamantando a un bebé, escenas de
brutalidad policial, etc.) como mediante el empleo de un lenguaje más conceptual,
informado por el performance contemporáneo. Así, por ejemplo, en su intervención "Venus de Milo" (interpretado por primera vez en Kassel, luego llevado a Nueva
York y San Francisco), el cuerpo transgénero disidente se convierte en una
escultura política viva, en un manifiesto escultórico sin brazos. Superando
tanto la posición narcisista masculina de la dripping painting como la
tradición feminista del performance público, Lorenza pintaba mientras bailaba
sobre un pedazo de papel o en un lienzo puesto en la calle, reclamando el
derecho de existir y de crear en un cuerpo transgénero sin brazos.
“Ignorada hasta ahora por la historiografía dominante del
arte, su obra aparece hoy como una contribución indispensable a la crítica de
la normalización del cuerpo y del género a finales del siglo XX”, escribe en su
ensayo Paul B. Preciado, curador de la muestra, en la que se reúnen más de cien
obras. “Ejercicios de resistencia a la mirada médica y exotizante que reduce el
cuerpo con diversidad funcional o trans al estatus de espécimen y de objeto,
sus trabajos se caracterizan por el uso de la autoficción, la imitación
disidente de los estilos visuales de la historia del arte, la experimentación
corporal y la crítica de la distancia disciplinaria entre los géneros —entre
pintura y danza, entre performance y fotografía, pero también entre masculino y
femenino, entre objeto y sujeto, entre activo y pasivo, entre válido e
inválido”.
El escritor chileno Pedro Lemebel dijo que la performance de Lorenza acerca de Venus de Milo: "su trabajo amortigua el hachazo de los hombros y traviste la evidencia mutilada en cirugía helénica. Lo interesante es la destrucción de la escultura como ortopedia social normalizante" según comenta Preciado en su ensayo.
La exposición, una coproducción con el Württembergischer
Kunstverein Stuttgart, arranca en La Virreina Centre de la Imatge por la
importancia que Barcelona tuvo en la vida de la artista. Lorenza Böttner se
mudó a la ciudad en los años ochenta, donde estableció vínculos con muchos de
los artistas locales y se convirtió en Petra, la mascota de los Juegos
Paralímpicos diseñada por Mariscal. Después de haber viajado intensamente por
Europa y América dibujando y haciendo performances, Lorenza murió en 1994, con
33 años, por complicaciones relacionadas con el Sida.
Tras una primera pequeña muestra de su trabajo en la
Documenta 14 de Kassel, esta exposición es la más completa realizada hasta
ahora sobre la obra de Lorenza Böttner, un manifiesto irreverente, revolucionario, disidente y vitalista por los derechos de las personas transgénero y con
diversidad funcional, así como un viaje a la obra singular de una
artista única del siglo XX.
LORENZA BÖTTNER: “RÉQUIEM POR LA NORMA”
Hasta el 03/02/2019
Centro de la Imatge
La Rambla, 99, Barcelona.
Horario: de martes a domingos de 11 a 20hs
Entrada gratuita.
La
nueva novela de Haruki Murakami: “La muerte del comendador – Libro 1” (Tusquets, 2018)
narra inquietantes universos que mantienen al lector atrapado y no lo suelta en ningún momento. Es uno de sus textos más heterogéneos ya que habita el mundo
de la pintura, del desamor, de los relatos sobrenaturales y fundamentalmente es
una potente historia sobre la soledad y los duelos.
Como ocurre en cada lanzamiento de alguno de sus
libros aparecen los críticos detractores de Murakami y también aquellos que lo
ensalzan por las nubes y se preguntan cómo es posible que aún no se le haya
entregado el Premio Nobel de Literatura.
Los periódicos más importantes del mundo mencionan: “Con este libro
Murakami se supera a sí mismo”, “Murakami consigue mantener una tensión
asombrosa”, algunos lo asocian a Edgar Allan Poe o a Thomas Mann con esta novela y otros
sencillamente anuncian el evento pero aclaran que posiblemente no sea su mejor
novela.
En "La muerte del comendador" hay, como en "El libro
de las ilusiones" o "La noche del oráculo" de Paul Auster, un hombre que, aislado
del mundo, intenta rehacer su vida luego de una separación repentina de su
esposa. Hecho que el personaje vive como traumático y por eso decide irse a
vivir a la montaña, a las afueras de la ciudad, a una casa del padre de su mejor amigo que también era pintor. Sin embargo, si las novelas de
Auster abundan en juegos metaliterarios, las de Murakami abren puertas y
ventanas, laberintos, pozos sin fondo en los que el lector, como la Alicia de Lewis
Carroll, se desliza en trayecto de ida y vuelta hasta que las fronteras entre
la realidad y su reflejo virtual se confunden.
En el primer volumen de 'La muerte del comendador'
(la publicación del segundo libro, según anunció Tusquets es en enero de 2019), la sencillez de la
prosa de Murakami es un juego más del autor, es un viaje por los caminos de un
presente sin mucha esperanza, es un recorrido por los recuerdos dolorosos de la
muerte de la hermana del protagonista y es la angustia del tránsito de un
pintor que se encuentra ante un lienzo en blanco, en pleno vacío creativo. Sin
embargo asoma en el relato un tinte irónico en el narrador que generalmente
aparece en primera persona y es el propio pintor al que la vida lo ha
descolocado y así como padece sus tristezas también se burla de su propias miserias.
Se puede pensar que ese estilo de escritura
informativa, por momentos plana, sea una trampa para ocultar la profundidad
infinita que albergan los temas de la novela: los temores, el vacío creativo, la página (o el lienzo) en blanco,
el desamor, la tragedia de convivir con el recuerdo de una hermana muerta y algunos sobrenaturales sucesos que va contando el protagonista. Como quien en soledad
trata de pensar mejor aquello que no pudo en los momentos críticos de la vida y
así se sumerge en un relato algo surrealista desde lo más profundo del inconsciente.
Los saltos de tiempo que consigue Murakami son admirables, trasladándose en el relato
de la nueva vida que asume el protagonista a su propio pasado, viajando de una dimensión a otra y estableciendo una
extraña amistad con un acaudalado vecino que le encarga un retrato y así comienza
nuevamente a pintar. El descubrimiento
de un cuadro oculto que pintó el dueño de la casa que lo aloja y que pertenecía
al famoso pintor Tomohiko Amada lo lleva a los universos de la ópera Don Giovanni de Mozart y su estreno en Praga, a los tiempos en que el
autor del misterioso cuadro (Amada, retirado en un asilo de ancianos) vivió en
Viena en plena ocupación Nazi.
El recuerdo de su hermana fallecida repentinamente, a causa de una extraña enfermedad es omnipresente, el narrador cuenta en pasajes conmovedores que nunca se animó a hablar con su ex esposa de su hermana y que aquello que lo enamoró de ella es
el parecido que había con su hermana. En unos pasajes con un ritmo frenético de confesionario, el personaje menciona que no soportaba los espacios encerrados
desde que vio el joven cuerpo de su hermana en un ataúd y que su ex mujer
detestaba esta fobia en vez de comprenderla y que se burlaba de él por elegir tomar escaleras en vez de ascensores. Es desgarradora la reconstrucción del final de su ex relación : "¿Cómo es posible que me haya amado por seis años y aquella noche la escuche decir: 'ya no puedo seguir contigo, estoy cansada' ? ¿Qué pasó en el medio que no me di cuenta? Un día dejó de querer tener sexo conmigo y al poco tiempo me abandonó. Todo sucedió muy rápido para mi corazón". También vuelve desde el más allá la figura de la
adolescente en las miradas de Marie Akikawa , una joven alumna que misteriosamente
está relacionada con el millonario vecino Amada.
El relato deriva de la aparición de los nuevos
personajes, de la crónica que el propio narrador hace de su pasado, se
superponen para construir un complejo palimpsesto de significados donde la
Historia, el Arte y la identidad dialogan con el talento de Murakami para
desplegarse como un juego de muñecas rusas. Es en la soledad donde el
protagonista abandonado por su mujer y con la autoestima por el suelo debe
reconstruir su vida como puede y empieza a hablar, a pintar... a escribir.
Probablemente no sea una novela con el impacto
emocional de: “Tokio Blues”, “Crónica del
pájaro que da cuerda al mundo”, “Kafka en la orilla, “After Dark”, etc pero no
decepcionará a sus adeptos y puede que con este regreso a la novela se sumen a
su lista algunos nuevos lectores luego del su tránsito de Murakami por sus últimos
libros que habitan los ensayos (“De qué hablo cuando hablo de escribir”) y
otros géneros impactantes como la reconstrucción de las historias de vida de
las víctimas del terremoto de 1995 en el metro de Tokio ("Después del terremoto"). "La muerte del comendador - Libro 1" es una recomendación para tener en cuenta.
Por Darío Cortés. Mariu Fernández: Una
mujer multifacética y con una energía electrizante, arriba y abajo del
escenario. A pocos días de estrenar “Chorus Line” en el emblemático Teatro Maipo de Buenos Aires, también se
presenta en Bebop Club con sus consagrados shows: “Amy´s night” & “Classics”.
En esta entrevista nos cuenta mucho de ella y de los mundos que interpreta.
DC: ¿Por qué elegiste a Amy Winehouse para montar un
concierto, un bio-show o bio-drama?
MF: Escuché una canción de ella sin saber quién era y me
impactó su voz. Me la imaginaba negra, robusta y adulta. Cuando la vi no podía
creer su imagen frágil, cuerpo delgado y su pelo a su estilo. Nada que ver con
lo que me había imaginado. Eso me despertó más curiosidad por esta artista,
busqué sus discos, escuche todo lo que había hasta el momento editado. Amy me
capturó. Fui descubriendo cómo sus letras estaban escritas desde el dolor, como
si fuesen palabras de una mujer que vivió más años y más experiencias. Notaba
una carga “dark” en la voz que me fascinó. Ella cantaba con drama. Entonces mi
actriz y cantante vio en ella un personaje-artista interesante para llevar a
escena, cantar sus temas y contar algunos aspectos de su vida. Es la artista
que más me llamó la atención, la que tocó mi sensibilidad. El espectáculo lo
llevamos a escena y el texto era de Osvaldo Bazán y la dirección de Denis
Smith. Hoy de aquel espectáculo queda un maravilloso recuerdo, pero mi show “Amy´s
night” es un concierto con sus canciones donde ya no salgo caracterizada pero
no se lo pueden perder. En Bebop club, San Telmo.
DC: ¿Con qué aspectos de su vida y de sus elecciones
musicales te sentís identificada?
MF: Me siento identificada con Amy con respecto a “la figura
del padre”. Siento que ella tuvo una
presencia aplastante de su papá, estaba muy encima de ella y no sé si la
cuidaba realmente. En mi caso es todo lo contrario, la puedo comprender porque
tuve un exceso de ausencia de mi padre, casi no tuve relación con él. Sin embargo
ella batallaba con un hombre fuerte, demasiado presente, que se colgó de la
fama de su hija.
Con respecto a lo musical, al igual que ella me siento identificada con la música
soul, funk, rhythm and blues, la música negra me alucina. El sonido de las
canciones de Amy me llevan a ese lugar. Ella fusionó la música negra clásica con
un toque rockero y punk, por sus letras, por su prepotencia.
DC: Un documental da cuenta de su debut en el escenario (en
época escolar) como una de las coristas de “Little shop of horrors”. Allí mismo
ella confiesa que no se sentía preparada para oír su propia voz y asumir los
roles de cantar, actuar y bailar. Tal vez por inseguridad o porque consideraba
que no cantaba tan bien. ¿Qué pensas de esta anécdota?
MF: La comprendo mucho. Es difícil escucharte o verte actuar
(cantar y bailar). Yo pienso que se habrá visto, se escuchó, se sorprendió de
su talento y probablemente se odio, por lo talentosa que era. Es algo difícil para
un artista verse, a mí me sigue costando y soy muy crítica conmigo misma.
DC: ¿Qué aspectos de su figura te conmueven?
MF: Su fragilidad, su look, su estilo fuerte me conmueve.
Mostraba una fachada dura pero para mí era una persona frágil, sensible y
humana. Ella buscaba sentirse querida y correspondida. Buscaba el amor. En un
hombre, en su padre.
DC: Musicalmente y vocalmente ¿Qué pensas de la elección de
sus repertorios?
MF: Me fascinan las elecciones que tomó, su etapa blusera,
su estilo único. Siento admiración. Sus temas están muy bien compuestos,
musicalmente ni hablar, pero la letra, la historia que cuentan me parece algo
extraordinario. Me gusta cómo suena su música, cada coro, cada letra, cada
instrumento parece estar donde debe estar. Ella era una virtuosa. Canta en
contra alto y yo me preparé mucho para eso. Yo no soy una imitadora, yo habito
sus temas, su repertorio, con mi propia impronta. Es muy difícil pero al mismo
tiempo disfruto mucho volver a cantar sus temas una y otra vez.
DC: ¿Cómo resumirías su paso por este mundo?
MF: Fue un paso muy fugaz. En vida sólo grabó dos discos “Frank”
y “Back to black”. Luego se editaron más de grabaciones que son dignas de
ediciones pero ella ya no estaba. Vivió muy rápido y muy intensamente. Una gran
artista que dio mucho y tenía mucho más para dar. Dejó un legado muy importante
para la música, es doloroso que no esté en este mundo.
DC: Si tuvieras que elegir 3 canciones cuáles elegirías?
MF: “Stronger than me”, “Back to black” (es su duelo con su
esposo Blake que se hizo tan escandaloso y público, ella lo hizo música y el
tema me encanta) y “You know that i´m not good”. Es muy difícil elegir sólo
tres canciones.
DC: ¿Qué te espera como próxima meta artística mientras
seguís presentándote en tus conciertos?
MF: El 9 de enero estreno “Chorus line”. Siempre amé ese
musical pero no me sentía preparada para presentarme a los castings. Audicioné
concretamente para el personaje de Diana Morales, la latina en la película (que
por otra parte es el personaje que más me gusta). Dirige Ricky Pashkus. Es en
el Maipo. La música es espectacular. Es un elencazo. La coreografía es buenísima. No pueden perdérselo.
DC: ¿Cómo transitaste tu paso por el cine junto a Ricardo
Darín en "El amor menos pensado"?
MF: Allí interpreté a una novia que tuvo el personaje de
Darín, una cantante de la calle, hice un cover: “Rezo por vos” de Charly. Mi
experiencia fue más que positiva en la película, siempre quise hacer cine, un
deseo muy grande para mí. Acá me tocó actuar y cantar ni más ni menos que para
Darín. Honestamente fue un compañero maravilloso para mí, igual que el director
Juan Vera. Me guiaron ambos y fueron muy generosos conmigo.
DC: Así como montaste el show de Amy o el de clásicos ¿Qué proyecto te gustaría
concretar desde el deseo en un plazo no tan largo?
MF: Me llaman la atención mujeres fuertes como Tina Turner,
Gilda, Selena y otras más. Me gusta mucho la música española, habitaría personajes
de los que me fascinaron en: “Las cosas del querer” o los momentos musicales de
las películas de Pedro Almodóvar. También me gustaría generar un proyecto donde
pueda presentar mis propias canciones.
PRÓXIMAS FECHAS
PARA VER A MARIU:
“Amy´s night” - 15 de enero en Bebop club (21hs, San telmo,
Buenos Aires)
"Classics
(con repertorio de Ray Charles, Nina Simone, Bruno Mars, Stevie Wonder, etc) – Consultar cartelera de Bebop Club
Faena show (Hotel Faena - Puerto Madero – Consultar
fechas)
“Chorus Line” – Desde el 9 de enero en el teatro
Maipo (CABA)
LA BANDA
Una cuestión aparte y destacable es la banda de músicos que acompaña a Mariu en "Amy´s night. Es impresionante el talento de cada uno de los músicos en cada espacio musical que tienen para lucirse. El brillante acompañamiento de NACHO COLOMBINI en la batería y CLAUDIO SCOLAMIERO en el saxo sostienen un ritmo "muy Amy" que no sólo sostiene la linea musical clásica sino que le dan el espacio propicio para que se sume GUILLERMO MARIGLIANO con su guitarra y NICOLÁS RADICCHI con su bajo. El piano no se queda atrás al igual que la trompeta por SEBASTIÁN DI PARDO. Las voces principales de Mariu y los coros de NACHO FRANCAVILLA, FRANCO FRIGULIETTI Y JULIÁN LOLLO le dan el marco perfecto para disfrutar por partes iguales de un puñado de músicos y cantantes destacables y así repasar profesionalmente y musicalmente por uno de los mejores show que hay en Buenos Aires dedicados a la figura de Amy Winehouse y no se trata de un tributo. Esto es un show craneado con consciencia de homenaje a la artista británica. La sala Bebop club propone un espacio que bien podría estar en algún recoveco del barrio favorito de Amy: Camden Town.
